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Enamel and Knife for Space and Light

The absract arts-world of Monique van Genderen: "Dirty Water" in Gallery Michael Janssen Berlin

Berlin, March 2008 To get in touch with Monique van Genderen is not easy.  Actually she is on her way  to Berlin where she is to prepare her exhibition, install a huge wall-painting alongside the twenty metre gallerywall, and most difficult for the gallerist to get access to that specific vinyl, van Genderen uses for her collages. Monique is in Japan, and we did have a talk von Irmgard Berner

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The Abstract in Dirty Water

First there was the egg and then the hen. No. At first the hen and then ... "Abstraction is the process of removing detail to expose the essential features of a particular concept or object", this is one definition of abstracting and applied to the process of making art. 

What is the main context you see your work in?

Is risk a context? I want to change my work drastically, practically by the minute. And I want people looking at the paintings to keep up this pace with me. I never want to rely on the thing that worked once, like a formula. I get stuck on ideas and addicted to the same colors and techniques like anyone can. But I try to make a place for working that does not allow me to repeat myself, even though I have probably been working on the same basic idea and project since graduate school. 

Today, what are the references and inspirations you preferably take and use?

Language is the most important reference as an abstract painter because I represent visually how we think and make connections. Not how we actually see the world. And I want to stay away from subject matter, because I am representing a non-linear and non-objective narrative.  

How important is every day environment in that narrative?

I am very much into my studio practice. I love the idea of going everyday to my studio to work. It does not have fabulous windows or northern light, but it is cosy and messy, and has all the tools for making work and experimenting with new paints. When I make a wall piece and have to go out into the world and someone else’s environment I am interested in making very large scale work that is ephemeral. Unlike drawing it has an idea of the spectacle, but it can also be intimate in the detail work, and because it is temporary it has everything to do with the experience. It is more performative that way, because looking at a picture of it on a 20" monitor does not express that experience of the scale and light that I the artist and the the space of the gallery have committed to. 

The wide gesture of painting and the use of tools like brush, roller, and enamel seem evident - how important are they in the process of painting? 

For many years I have been experimenting with mimicking brushstroke without the tool of the brush. In the case of the paintings made with vinyl I have used a knife to show the drawn line that represents the painters subjectivity. Currently with my fascination for using rollers only and very little actual brushwork I am interested by the results from this peculiar kind of mark making. 

In which tradition do you see your art? - Of other artists? 

I love abstract painters like Hans Hartung, and Hans Hacke, but I am also driven by some conceptualists like Felix Gonzalas Torrez, and others who have done installation work. I guess I enjoy trying to melt the two things together somehow, old -fashioned 50's abstraction with contemporary problems of context and place. 

How much does Southern Californian air feed your view of abstraction? 

Through the light sculptures and finish fetishists of the 60's. I am indebted to all those who made paintings with car enamel and played with optical illusions with space and light.

Questions by Irmgard Berner

the gallerist: 
Also - I found a place where we can order the vinyl - how much do you need?
I need to order it soon, as it has to be sent from
Dortmund.
Is it sold by the roll? Here I would buy a
10 yard roll of each colour, 30" wide. White, Black, blue. and a light yellow. It can be the cheaper version of the reflective colour. Did you get the colour catalogue from the Happy Lion?

 

German text about the artist's work

Die großformatigen, abstrakten Kompositionen der kanadischen Künstlerin Monique van Genderen ergreifen durch ein nuancenreiches Spiel aus reflektierenden und matten Lacken und Firnissen. Sie stehen neben Skulpturen aus Holz im Zentrum ihres Werkes. Galerie- und Leinwand nutzt sie gleichsam als Bildträger.

„I want to change my work drastically, practically by the minute. And I want people looking at the paintings to keep up this pace with me. I never want to rely on the things that worked once, like a formula.…” (Ich möchte mein Werk drastisch verändern, praktisch jede Minute. Und ich möchte, dass die Leute mir auf diesem Weg folgen. Ich verlasse mich nie auf bewährte Dinge, auf Formeln …) sagt die Künstlerin.

Monique van Genderen experimentiert mit der Flüchtigkeit des Momentes. In die   großflächigen Formate steckt sie die Idee eines Schauspiels, welches mit vertrauten Details vorübergehende Alltagserfahrungen einfängt. Sie zählt zu einer neuen Generation von abstrakten Malern und sieht sich in der Tradition von Hans Hartung, Hans Haacke und dem Konzept-Künstler Felix Gonzalez-Torres. Die in Los Angeles lebende Künstlerin verschmilzt „50er Jahre Abstraktion mit heutigen Fragen zu Ort und Kontext“.

Mit Vinyl-Klebefolien collagiert van Genderen ihre Bilderwelt direkt auf die Wand. Diese Arbeitsweise nimmt sie aus ihren Erfahrungen, die sie als Schildermacherin für Außenwerbung in L.A. gesammelt hat. Wie ausgeschnittene Inseln in gelb, lila, braun und schwarz auf hellem Grund klebt sie Folienschnipsel in dichten und losen Kompositionen großflächig auf die Architektur der Galerie.

Diese Arbeitsweise hat die Künstlerin auf ihre Malereien übertragen: Runde und eckige Formen setzt sie als farbige oder monochrome Zeichen auf die Leinwand und zieht mit dem Messer Linien durch das Acryl als subjektive malerische Geste. Sie formieren sich zu aufstrahlenden Sonnen oder aufblätternden Blüten. Linien knäueln, kreisen und schlängeln zwischen den Flächen. Die Farbtöne trägt sie aus einer Palette von Öl- und Acryl-Mischungen in nuancenreichen Tönen auf leinenbespannte Holzuntergründe auf.

Kontrastierend zu den luftig hingesetzten, über den Malgrund schwebenden bunten Formen und Linien stehen ihre dunklen Lackarbeiten. Sie verdünnt die Farbe und trägt sie großflächig auf wie Aquarell, mit Pinsel, Bürste, Walze. Die Lasuren schimmern in Schichten, matter oder glänzender Firnis reflektiert den umgebenden Raum in einem faszinierenden Spiel von Licht, Glanz und Tiefe und machen die Malereien selbst zu Lichtskulpturen.

Durch ihre Bild-Sprache kreiert Monique van Genderen eine Form der Abstraktion, mit der sie zeigen will „how we think and make connections. Not how we actually see the world“ (wie wir denken und Verbindungen herstellen. Nicht wie wir die Welt wirklich sehen).  

Für die Ausstellung „Dirty Water“ gestaltet die Künstlerin eine Galeriewand großflächig in Vinyl-Technik; die Besucherbänke transformiert sie zu Skulpturen. In ihrem Skizzenbuch - Teil der Holzskulptur „Baumstumpf“ - zeigt sie Entwürfe im Miniformat als doppelseitige Aquarelle und Gouachen in kräftigen Farben.

Monique van Genderen führt damit den Betrachter in die „non-linear and non-objective narrative“ (nicht-lineare und nicht-objektive Erzählweise) ihrer Erfahrungswelt ein.

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Berlin
Galerie Michael Janssen
Kochstrasse 60
D-10969 Berlin

Phone: +49 (0)30 25 800 850
Fax: +49 (0)30 25 291 592
E-mail: Diese E-Mail-Adresse ist gegen Spambots geschützt! JavaScript muss aktiviert werden, damit sie angezeigt werden kann.

Nina Borgmann, director

Hours:
Tue - Fri 10 - 6 pm
Sat 11 - 6 pm

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